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La Saveur des œufs mimosa, c’est, pour Paule Orsoni, celle de son enfance passée sur l’île. Entre présence et absence, la fondatrice de l’Université Populaire d’Arras, proche de Michel Onfray, raconte une histoire personnelle de la Corse.

Par : Mia Benedetto

Dans son roman essai, Paule Orsoni décortique cet « amour captatif » qui la lie à son île. Cet attachement viscéral qui s’accompagne initialement et paradoxalement « d’une nécessité vitale » de la quitter. La saveur des œufs mimosa (Ritornu) est un véritable hymne d’amour à la Corse. Tout d’abord rythmé par les allers retours physiques car il s’agit de franchir, « francà », l’élément marin.

Mais le roman est aussi traversé par les allers retours temporels. Il est question de doux combats, d’amitiés, d’amour, de questionnements sensibles, de lieux immuables ou secrets, de beautés, de nostalgie et les générations s’entremêlent jusqu’à la rencontre unique, celle de l’enfance et de l’âge adulte, miracle permis par l’amour vital.

Ce journal de voyages se dévoile peu à peu, et même si la pudeur affleure à chaque page, la passion transparaît. La poésie aussi et c’est un partage bouleversant avec « noi corsi » et avec tous les lecteurs. Et Paule Orsoni, en tant que « passeur d’expériences » nous achemine vers « cet étrange retour désiré » , « ce riaquistu ».

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« On ne vit vraiment que lorsqu’on transmet quelque chose. Vivre humainement c’est transmettre, offrir » Maria Zambrano, Les bienheureux. La philosophe andalouse est citée joliment dans le roman ces mots résument parfaitement la force vitale de Paule Orsoni.

Avec des thèmes comme les douleurs familiales ou l’inadaptation sociale, Les roches rouges est un roman bien ancré dans l’œuvre d’Olivier Adam. Ce dernier parvient toutefois à surprendre son lecteur grâce à des personnages capables de se réinventer.

Par : Audrey Acquaviva

Le roman d’Olivier Adam, Les Roches rouges, paru aux éditions Robert Laffont, peut se lire comme une tragédie en trois actes. Tout d’abord le lecteur fait la connaissance de Leïla et Antoine qui s’aiment malgré les obstacles de la vie et les mensonges. Très vite, on apprend que le jeune homme est au bord de la marginalisation, heureusement que le foyer parental le maintient dans une certaine stabilité. Quant à Leïla, elle est une jeune mère dont le conjoint montre des signes de jalousie et de violence.

Puis propulsés par les événements, ils font le pari d’une nouvelle vie en changeant de décor. En fait, une vie de suspension, dont personne n’est dupe, avant que le sang ne coule. Enfin la dernière partie nous prouve, sans grande surprise, que leur sort était déjà scellé. Impression qu’Antoine paie pour un autre crime, tandis que Leila retrouve une part d’elle-même et de son équilibre. Sa liberté. Du soutien. Une famille. De l’amour.

Autour d’eux, des personnages apparaissent ou disparaissent, gravitent ou planent comme autant de drames qui s’ajoutent à la tragédie, s’imbriquent les uns aux autres. Des drames qui sont profondément réalistes et intimes : la perte d’un enfant lors d’un accident de circulation qui détruit une famille, particulièrement une mère, et fauche des élans, des espoirs ; l’inceste qui arrache une jeune fille à sa famille ; une union qui enferme, qui isole et détruit à petit feu, qui a la violence comme hôte. En toile de fond, la société qui exclut et plombe à la fois le quotidien et l’horizon.

La grisaille et la lumière

Le chômage et la galère qui en découlent y sont abordés. On reconnaît bien là la petite musique d’Olivier Adam. Ce réalisme âpre, ces personnages asphyxiés, violentés, piégés. D’une effroyable et triste lucidité qui frappe aux yeux et au cœur. En effet, malgré leur jeune âge, les personnages principaux voient juste. Et là, une éclaircie :  une main se tend, l’amour les surprend, les étonne, fait bouger les lignes, émeut et redresse. Un cap, bien que désespéré, est donné. Le lecteur et le jeune couple peuvent respirer.

Tout au long du roman, des mondes ou des décors se croisent ou alternent. Ainsi la froide grisaille urbaine laisse place à l’ardente et lumineuse Méditerranée qui les enveloppe. Un refrain aznavourien vient en tête, d’autant plus que le luxe y côtoie la précarité. Et le pourtour méditerranéen étant fait de croyances qui ont traversé les âges, le monde invisible vient ponctuellement redonner de la force au monde des vivants. Du moins à Lise, la sœur d’Antoine, elle aussi s’y est réfugiée. Est-ce un rêve ? Un baume ?  Une folie ? Peu importe. Elle reprend en quelque sorte un peu vie.

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Quant à la narration, elle permet de doubler les voix, de changer d’angles et de perceptions. D’imbriquer habilement les éléments narratifs, de créer une attente : tout au long du roman, les voix d’Antoine et de Leïla alternent. Chacune éclairant l’autre, lui répondant. Tour à tour, le lecteur accède aux pensées, au verbe teinté d’oralité, aux petits arrangements avec la vérité des deux personnages.

La place de l’écrit

Mais il ne faudrait pas oublier la part centrale de l’écrit pour eux. En effet, dès le début du roman, Leila noircit son carnet, offert par Antoine. Toujours dans la solitude. C’est son moment. Elle y raconte son quotidien et s’interroge sur sa vie, pose un regard sur ceux qui l’entourent. Tandis qu’Antoine arrive à l’écrit par dans un premier temps raconter des fictions. Pour passer le temps, pourrait-on supposer. Et dans un second temps, raconter son histoire de vie brisée, lui donner un sens. Et le lecteur ne peut qu’y être sensible.

Écrivain, professeur d’université et critique littéraire, Pierre Jourde sera l’invité du Salon du Livre de Bastia le 19 septembre. L’occasion de revenir sur quelques-unes des œuvres marquantes d’un auteur aussi ténébreux que prolifique.

Par : Catherine Vincensini

J’avoue, je ne vous connaissais pas. « Pierre Jourde est un grand écrivain, il compte et comptera dans la littérature contemporaine », me dit une amie. Et d’ajouter : « il faut le lire ! ». D’accord. Donc, je m’attelle. J’entre dans une librairie et je trouve un livre disponible ce jour-là, Winter is coming, publié en 2017. Je ne lis pas le résumé, je ne fonce pas sur internet, je me lance. Aïe ! J’abandonne la lecture à mi-chemin. Or, sans trop de culpabilité car, comme vous, « je n’ai jamais été capable de lire les romans qui parlent de la mort de l’enfant, sûr que j’aurais du mal à le supporter ».

Le Covid-19 stoppe ma lecture. Puis nous sommes déconfinés (l’ordinateur souligne le mot). Mon amie confirme que vous êtes invité chez nous, qu’il serait bien de rédiger un petit article. D’accord. Comme le petit soldat qui s’apprête à combattre, je reprends le récit de Winter is coming depuis le début. Je lis le livre en deux jours.

Le surnom de Gazou donné à Gabriel, votre fils, me touche, moi qui adore Colette. Gazou, passionné par les claviers, compose sous le nom de Kid Atlaas. J’aime. Un article lui étant consacré sur internet nous éclaire sur le titre du roman : « Tu entends Winter is coming, avec ce rythme rond comme un ballon, chaud comme un félin lové dans le creux de ta hanche (…) Ces violons qui virevoltent, cette mélodie cristalline, qui embaume le cœur, et ces zigouigouis qui font légèrement patiner le cerveau ».

Festins secrets

Et le père, ravagé, comprend que son enfant de dix-neuf ans a beaucoup de choses à accomplir, et « c’est cela qui fait mal (…) il n’aura pas le temps ». La terreur avait saisi le lecteur dès les premières phrases. Elle s’amplifie quand nous lisons que : « L’œuvre qu’il aurait pu accomplir, qu’il sent en ce moment même croître en lui, elle lui sera arrachée, avec le reste, avec son corps, avec la paix, avec son amour naissant ». On a envie de hurler avec le père, de fuir. Mais pour le sourire doux de Gabriel qui inonde les pages, pour son courage, sa discrétion même dans la souffrance, lire Winter is coming devient possible.

Je reçois par La Poste Festins secrets (publié en 2005, plusieurs prix, dont celui de la Société des gens de lettres). Là encore, je me fie à ma lecture, même si mon interprétation est erronée. Je sens que vous le pardonnerez, voire rectifierez. D’emblée, l’atmosphère trouble d’un train qui traverse des brumes me happe.

Critique d’un système

Le narrateur apostrophe un personnage dont on apprend qu’il est un homme jeune, qui vient de terminer ses études pour devenir enseignant. Il est envoyé dans un patelin qui, curieusement, s’appelle Logres, pour y parfaire une année d’apprentissage. On suppose que le personnage se parle à lui-même. Dans le wagon, un curieux monsieur, plus âgé, ancien enseignant à Logres, lie conversation avec le jeune homme. Et dresse un portrait effrayant de la ville, qui deviendra un personnage à part entière.

Que se passe-t-il dans ce lieu de mines désaffectées et de forêts ? Au fil des pages, on décroche de la réalité, d’ailleurs, « la réalité ne peut être que secrète ». On soupçonne que le personnage dort, rêve, cauchemarde. On est troublé. Il se passe des choses très étranges dans ce lieu maléfique. Étranges et violentes.

Au cours de la narration, la critique de tout un système (éducatif, sociétal) est âprement argumentée. Tout y passe, même l’amour. Il y a de l’acidité dans l’air. Le style vif nous emporte dans sa danse macabre. Quel foisonnement d’idées ! Quel mystère ! À un moment du récit, on se prend pour Sherlock Holmes, on se crée un polar. Et on ne parvient pas à décrocher du livre dont la fin crée la surprise, trouble, interroge.

Le voyage du canapé-lit

Qui est ce double ? Le personnage central s’est-il dédoublé ? Par la suite on apprend de la bouche même de Pierre Jourde, dans Le voyage du canapé-lit, que le double est un thème central dans l’œuvre. « J’avais travaillé à un ouvrage sur le double, à mes yeux le plus fascinant et le plus terrifiant des thèmes fantastiques. J’avais aussi écrit un premier roman, Carnage de clowns, qui était une histoire de double, et (…) presque tous ceux que j’écrirais par la suite tourneraient autour de cette question ». Du reste, vers la fin du roman, le narrateur dit : « Amusant cette faculté que tu as à te dédoubler »… Festins secrets nous plonge dans un univers imaginaire plein de surprises, portées par une écriture insolite. J’aime.

Vient Pays perdu. Je me délecte à l’avance, amoureuse que je suis de Giono. Dès les premières pages, le lieu joue son rôle d’aimant. Pierre Jourde et son frère se rendent en plein hiver dans le village du cousin Joseph, colosse férocement attaché à ses hectares de pentes caillouteuses, décédé. Dans ce hameau où « ils restaient trois, dans deux maisons ». Dans un lieu où les habitants des villages éparpillés se connaissent tous. Ne voit-on pas quelque endroit perdu de nos montagnes corses ?

Tout près, le paysage est marqué par le cône lourd d’un volcan. Nous sommes en Auvergne. « Là-bas, c’est la steppe, l’herbe sans limite. Une petite Mongolie inhabitée ». Sur cette terre rude s’enracine le récit familial de l’auteur qui représente des zones d’ombre. Qu’a donc vécu son père en ces lieux, lui qui parle peu par peur de ne pas savoir accrocher les mots ?

« Un peu de rudesse »

Des troupeaux se détachent à perte de vue. « On sait, en arrivant, que tout cela nous est donné, sans restriction. (…) On descendra droit dans la profondeur des gorges, au cœur des bois où plus personne ne pénètre. De nouveau on s’étendra sur la mousse verticale des pentes pour sentir la terre tourner. De nouveau, à la nuit close, on ira derrière la maison voir grouiller les étoiles ». On imagine, à ce stade du récit, que l’on s’enfonce dans un univers de paix. C’est ne pas connaître Pierre Jourde. Il semble que quand il aime, il se révolte, se fait colère.

Dans Le Voyage du canapé-lit, il déclare : « Parfois, il me semble que je ne sais pas très bien quelle est la part de sympathie et quelle est la part d’agression dans ce que je fais (…) je ne peux pas m’empêcher d’assortir l’expression de ma tendresse, de mon admiration ou de mon amour d’un peu de rudesse, ou d’ironie ». Donc, rien d’idyllique dans ce coin perdu qui sent l’abandon.

L’alcool semble être le seul moyen d’y survivre. Un côté brut des hommes, comme des poires noires, se dégage. Et pourtant, quelle admiration quand Pierre Jourde parle, par exemple, de celui qui vient de perdre sa fille à l’hôpital : « François, si simple, impressionne qui voit se poser sur lui les prunelles vertes. On sait aussitôt que quelqu’un est là, quelqu’un d’autre que ce paysan debout, avec ses épaules larges, sa face d’imperator et sa cordialité grande ouverte. »

Racines complexes

L’obscurité à l’intérieur des maisons ou sur un perron permet d’apprécier chaque petit coin de lumière. Les êtres communiquent peu. Les hêtres et les genévriers ont recouvert les alpages communautaires. Et « leur aspect, leur disposition nous ont sans doute à ce point imprégnés qu’ils en sont venus à constituer notre texture mentale. » Il me semble que faire partager ce pays perdu est indispensable pour l’auteur qui a grandi en région parisienne. Racines complexes, tordues de souffrance et de force ? « J’assiste à l’effort des arbres vers ce qu’ils ont à être ».

Le livre est mal accueilli dans la contrée. Incompris ? Car l’amour de ce pays perdu suinte à travers les lignes : « Et moi, stupidement, depuis l’origine, je cherche à le garder. Je voudrais qu’il soit lui-même, immobilisé dans sa propre perfection, et qu’à chaque instant on puisse s’en emplir ». Des hêtres il retient « leur aspect, leur disposition (qui) nous ont sans doute à ce point imprégnés qu’ils en sont venus à constituer notre texture mentale ».

Puis Le Maréchal absolu débarque chez moi. Entre temps j’ai eu entre les mains deux essais : Littérature & authenticité et Visages du double, un thème littéraire. Juste de quoi rappeler au passage que vous êtes professeur à l’université. Entre les mains, feuilletés, mais désolée, les essais sont reportés à plus tard, peut-être. Le temps presse. Donc, quand Le Maréchal absolu se dévoile sous mes yeux, quelle réjouissance ! Quel brio, quel style, quelle vivacité ! Une critique absolue, comme le pouvoir du Maréchal, dictateur, joyeux bourreau, pourvoyeur de décadence et d’atrocités.

Où se rompt la fiction

Cependant, quelle drôlerie ! Ah vous êtes un auteur peu banal ! Encore une fois, le « tu » est choisi dans ce « dialogue » cocasse, où l’auditeur, secrétaire, homme à tout faire, « confident absolu » est cent fois nommé par des expressions attendries ou terribles. Dès le début, son nom est affiché : Manfred-Célestin. Un vieux monsieur, une « vieille pacotille ». Mais aussi : « Mon Manfred, ma Manfredinette, ma carcasse, baderne, bourrique exténuée, mon vieux spectre familier, grand guignol, Elvis, ma carne, fossile antédiluvien, mon sapajou rhumatisant, mon cher décombre », etc. On ressent l’immense plaisir, communicatif, de jouer avec les mots, de mêler les lieux, les temps. Brillance d’un style.

Au fil des livres, on est secoué dans notre petit confort de lecteur, et ça fait du bien ! À mon sens, ce roman aux allures de pamphlet est un incontournable si on veut faire ample connaissance avec votre style. Là encore, le réel et l’irréel se côtoient. J’ai souvent vu dans vos phrases l’allusion à ce qui pourrait être un combat entre ces deux mondes. « Tu vois, il me semble, dans cette solitude de la nuit, que les choses n’ont pas encore pris toute leur réalité. Elles demeurent suspendues dans les limbes de l’hypothèse. » En parlant de Samantha, le « Guide », enfin le Maréchal, déclare : « Samantha était dangereuse. Quelque chose en elle appelait la fiction à se rompre. Et où irions-nous (…) si la fiction se brisant nous laissait dénudés d’histoires ? » Quant à « l’excès d’illusion », il « rejoint le réel ». Celui-ci, je le déguste.

Contre la littérature « sans estomac »

Et voilà que je termine ma recherche avec Le voyage du canapé-lit, titre déjà cocasse, publié en 2019. Récit assumé comme une sorte d’autobiographie, avec une certaine autodérision. Au futur lecteur de découvrir vos traits (marqués) de caractère.

Au cours d’un dialogue, inventé, vous faites dire à votre belle-sœur, qui fait partie du voyage, bien réel, lui : « Toi, l’artiste, tu ferais mieux de faire attention à la route (…) Pendant des années tu nous as répété que tu ne pouvais pas souffrir l’autofiction, l’épidémie de la confidence, le moijeisme galopant, le narcissisme plumitif, et comme tout le monde, tu t’y mets (…), voici venir l’âge où l’on fait le bilan, un homme se penche sur son passé, franchement c’est d’un commun ! »

Pendant que je suis ce récit-là, j’éclate souvent de rire. Les titres des chapitres tournent autour des objets de la vie courante. Or vous êtes fâché avec eux qui sont « perfides, maudits » et ne cesseront de vous « poursuivre ». Vous notez, également, que « le livre représentait le piège par excellence. C’était, à l’origine, un acte de rupture », avec le monde réel, notamment. Cette perfidie des objets attaque l’auteur là où il est « le plus sensible, c’est-à-dire par la littérature ». On apprend que ce qui vous soucie particulièrement, c’est la littérature contemporaine, « sans estomac », titre d’un essai, publié en 2002, qui a fait visiblement vibrer d’admiration ou de colère le monde littéraire. Vous reconnaissez avoir été, parfois, un peu excessif.

Un absolu nommé littérature

L’ouvrage reçoit le Prix de la critique de l’Académie française. Le jour de la remise du prix, au lieu d’en tirer quelque orgueil, vous racontez avec humour une anecdote, encore une fois, cocasse. Et rajoutez que « ne pas recevoir une décoration ou un prix en France, tient de l’exploit » ! Par ailleurs, vous raillez les académiciens, mais « parenthésez » que « c’est une tradition, ils ont l’habitude. On comprend qu’il n’y a aucune méchanceté là-dedans ». Comme dans Pays perdu, qu’il vous arrive « d’avoir la dent dure, mais aussi l’admiration éperdue ». Et précisez que vous êtes votre « première cible ». On le constate effectivement en lisant Le voyage du canapé-lit, ce « foutoir narratif ».

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Ce que je retiens, ce sont vos phrases, dont celle-ci : « Je crois que je ne suis devenu écrivain que par incapacité à assumer le monde concret et pour prendre ma revanche dans le monde gratifiant de l’esprit ». Mais aussi : « Je n’avais vraiment envisagé d’autre vie qu’en littérature. J’étais immergé dans l’imaginaire. Écrire n’était que la prolongation naturelle d’une manière d’être (…). Il me semblait que si j’allais toujours plus profond dans la solitude, le mutisme, l’imaginaire, je pourrais peut-être un jour pénétrer dans cet absolu qui s’appelle littérature ».

Eh bien, franchement, je n’ai pas fini de vous lire. Me manquent beaucoup de livres. Vous m’avez donné envie de poursuivre le chemin balisé par vos mots. Écrire « chemin », un peu facile, non ? Et pourtant… Comment faire, d’ailleurs, avec votre roman préféré, L’Heure et l’Ombre, puisqu’il est épuisé ?

Un violon cassé, un destin bouleversé. Dans Âme brisée, Akira Mizubayashi raconte le traumatisme fondateur d’un enfant japonais des années 1930, dont le père, professeur de musique, est enlevé à jamais par des soldats. Un roman poignant sur le pouvoir du souvenir et de la musique.

Par : Marie-France Bereni-Canazzi

Dans son roman Âme brisée, dont il a dit à maintes reprises qu’il n’est pas autobiographique, l’écrivain et enseignant d’université Akira Mizubayashi propose un retour au Japon d’avant la Seconde guerre mondiale.

Vivant à Tokyo et séjournant souvent à Paris, il a à nouveau écrit en français; tout comme d’autres de ses titres, toujours très prisés par la critique et le public. Ce fut notamment le cas du très remarqué Une langue venue d’ailleurs, publié chez Gallimard. Ce titre lui avait valu de nombreux prix dont celui de l’Académie française, mais aussi celui du Rayonnement de la langue et de la littérature françaises en 2011. 

Âme brisée raconte comment un groupe de musiciens, constitué de Yu, professeur et premier violon, et de trois étudiants chinois qui s’attardent au Japon malgré la menace de la guerre, va être brisé, disloqué, car accusé de fomenter contre le pouvoir en place et son idéologie. Cette prise de risques des jeunes musiciens correspond à une quête supérieure : celle, absolue, du Beau car l’un des personnages importants de ce livre est la musique.

Les musiciens, jeunes et attentifs à la parole de leur maître, travaillent l’œuvre de Schubert. L’auteur parvient, dans ce texte qui tient un peu du conte, à mêler réalisme et symbolisme.

Le violon brisé

Le début de l’œuvre est assez classique, montrant le bon et le beau écrasés par l’ignorance. Soldats grossiers et endoctrinés font irruption sur les lieux de répétition du petit ensemble. Ils brisent un instrument, le violon de Yu, avant de les emporter avec les jeunes chinois. Son fils de 11 ans, caché dans une armoire, assiste terrifié à la scène. Il comprend alors que la musique peut à la fois être l’objet noble et infini d’une quête et une source d’aversion.

Le lecteur, s’il est mélomane, connaît le rôle de la musique sur l’esprit et aimera ce livre hommage à la littérature et à la musique. Mais s’il ne connait pas la musique, il aura envie d’entendre les musiciens évoqués. On ne peut que saisir la grandeur gagnée par l’art. L’élévation d’âme se fait peu à peu.

Âme brisée car ce roman est celui de la rupture, de la perte de l’harmonie et semble s’offrir en diptyques. Akira Mizubayashi a déclaré à propos de la genèse de ce roman : « Il s’agissait pour moi d’une réflexion sur les zones de catastrophes qui engendrent des fantômes. » 

Une double cassure

L’âme évoquée peut être d’une part celle du violon, petite pièce de bois qui donne le souffle de l’instrument et vie au son ; et d’autre part, l’âme de Rei, le petit garçon, témoin et victime. Celui-ci connaîtra l’avant, une vie comblée par la musique, et subira l’après, la hantise de la perte du père. Aussi, la construction du roman se fonde en deux moments bien distincts d’une même vie. Mais dans deux pays différents, le Japon et la Chine, ou même et surtout le Japon et la France ; deux arts, la littérature et la musique.

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Si la première partie est consacrée au choc violent de la répression et de l’abandon, à l’incompréhension, à la solitude de l’attente, la seconde, étonnante, souligne le poids des séparations, la difficulté à dépasser les traumatismes. Rei devenu luthier en France n’oublie pas son passé, intensément lié au Japon et à la musique. Il est difficile de ne pas vouloir réparer les âmes brisées.

Dans Miss Jane, Brad Watson raconte la quête du bonheur entreprise par une femme atteinte d’une malformation. Un roman d’émancipation écrit dans une langue sensuelle et délicate.

Par : Marie-Pierre Poggi

Certains livres, longtemps après en avoir tourné les pages, vous accompagnent d’une douce nostalgie. Le roman Miss Jane de Brad Watson est de ceux-là.

Dès les premières lignes, on est séduit par l’attachante Jane. On la soutient dans ses difficultés. Avec elle on s’émerveille de ses découvertes et nos yeux s’éclairent au contact de cette héroïne si singulière.

En bref, Miss Jane c’est d’abord « la petite Jane » qui voit le jour en 1915, dans une petite ferme du Mississippi, entourée de ses parents et de sa sœur aînée, Grace.

Un handicap à surmonter

En dépit d’une malformation intime, Jane se construit tout de même une identité et composera sa vie avec sa différence. Sur ce point, les balbutiements du médecin de campagne qui répondit : « Tout ce que je peux vous dire, c’est que c’est une fille, qui ne s’est pas complètement développée ».

Confrontée à une mère froide et une sœur jalouse, le contexte familial de la fillette est peu propice à son épanouissement. Mais Jane s’adaptera et fera ainsi face à son destin. C’est guidée par sa curiosité et sa soif d’apprendre qu’elle surmontera les réticences de son entourage. Son observation des êtres, son lien à la nature, et son amour de la lecture lui permettront de découvrir et de comprendre ses émotions.

À l’adolescence, elle vivra ses premiers émois amoureux comme toutes les jeunes filles de son âge. « Elle avait été une fillette vive, mince et aux cheveux un peu trop fins, avec un visage doux et un bon caractère. Pourtant, aujourd’hui, elle avait grandi et était devenue une beauté émaciée aux yeux sombres. Elle se mouvait avec une sorte d’élégance naturelle, comme une feuille qui tombe avec grâce sous un souffle de vent. »

Un style plein de pudeur et de délicatesse

Le Docteur Thompson avec lequel elle tissera un lien quasi filial, deviendra au fil des années son confident. Celui-ci ne cessera d’interroger ses confrères. À vrai dire, il aura foi dans les progrès de la médecine pour un jour donner à « Janie » une solution à son handicap. « Elle le regarda et de ce fait, elle se dit que somme toute, il l’aimait sans doute d’une certaine façon. L’amour d’un être humain pour un autre, qui n’a besoin ni de classification ni de définition. ».

Ce roman est servi par une plume poétique et sensuelle. L’auteur aborde avec délicatesse et pudeur « la malformation » dont souffre Jane. Il n’en livre que peu de choses à l’image des balbutiements scientifiques de l’époque. On y découvre par ailleurs l’Amérique rurale que le XX^e siècle commence à bouleverser.

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Ce livre est une jolie ballade aux saveurs douces amères. Le lecteur y accompagne Jane sur le chemin de la vie, au cœur de sa solitude. Et au moment de la quitter, on prend le temps de savourer les derniers instants d’une présence amie : « Elle se contentait d’être. Tout simplement Jane ».

C’est un dilemme que nous avons tous connu un jour. Mentir pour préserver quelqu’un de la souffrance et de la peine. Mais philosophiquement, le mensonge constitue-t-il une option ? La vérité est-elle un droit ou un devoir ? Éléments de réponse avec Kant et Constant.

Par : Kévin Petroni

Au cours d’un dîner, je rencontrai un ami accompagné de sa copine. Durant la soirée, chacun des deux amoureux me démontra combien ils étaient liés, combien ils s’aimaient, etc etc. Le lendemain, je rencontrai dans un café ce même ami enlaçant cette fois-ci une autre femme. Je détournai le regard, imaginant qu’il ne m’avait pas vu. J’eus la surprise de recevoir quelques heures plus tard un appel de sa part. Il me suppliait de taire la scène galante du jour, au prochain repas en présence de sa copine. Tel est le mensonge : dire délibérément le contraire de la vérité.

Dans cette définition, le terme essentiel est celui de délibération. Je me trouve toujours en situation de dire le vrai ou de dire le faux, de parler à cette femme ou de ne pas le faire. C’est précisément parce que le mensonge éprouve ma morale que je peux m’interroger sur le droit que je possède de mentir ou non. Il existe deux attitudes morales face au mensonge : l’une qui consiste à poser le devoir de dire la vérité ; l’autre qui cherche à poser le droit de mentir.

Si Kant avait reçu l’appel de mon ami, il aurait répondu sans trembler : je lui dirai la vérité. Et mon ami, conscient des risques pour sa personne en aurait été particulièrement affecté. C’est que mon ami réfléchit à son intérêt bien plus qu’à son devoir, celui de respecter autrui.

Une rupture entre la parole et le sens

Pourquoi Kant refuserait-il de l’aider ? Tout simplement, parce que Kant estime que maintenir le mensonge revient à nuire au menteur lui-même et à l’ensemble des personnes concernées par ce mensonge.

Le premier problème relève d’un acte énonciatif : Kant estime que le mensonge rompt le lien entre la parole et le sens. Au fond, mon ami, en louant l’amour, le trompe triplement en embrassant cette autre femme le lendemain. Il trompe celle qu’il dit aimer, celle qu’il embrasse dans le café et il se trompe sur l’amour lui-même en appauvrissant sa valeur.

Le deuxième problème est politique : Imaginer une société dans laquelle tout le monde se mentirait revient pour Kant à fonder une entreprise du soupçon. Les principes, les lois seraient constamment détournées.

Le test de Kant

Enfin, le troisième point, et c’est assurément le plus notable, est philosophique. Kant estime que le mensonge ne peut se poser comme une maxime universelle. Le test de Kant revient à se demander si ma morale doit s’appliquer à tous. Tout le monde devrait mentir pour tromper la personne qu’il aime dès lors qu’il souhaite se tirer d’embarras. Pour toute personne de bonne foi, le test ne tient pas. Puis-je vouloir que tout le monde abuse de tout le monde ? Bien sûr que non. En ce sens, Kant pose le devoir de vérité de manière radicale.

Mais Kant a-t-il pour autant raison ? Benjamin Constant lui aurait répondu que la vie n’est pas absolue, et que l’homme, bien imparfait, ne peut pas souscrire à une morale qui l’excède. À un principe qui ne demande aucune compromission, ne jamais mentir. Constant affirme qu’il existe un droit au mensonge. Trop mentir renverrait au chaos, mais être trop vrai y renverrait également. Dire tout ce que l’on pense, tout le temps et à tout le monde, créerait aussi les conditions du désordre.

Mentir pour protéger autrui ?

Il existe une situation intermédiaire, et c’est parce qu’elle est mesurée qu’elle s’applique à tous : il faut mentir lorsque le mensonge permet de protéger autrui. Dois-je révéler la cachette d’un homme recherché si je sais que la force s’appliquera contre lui ?

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Au fond, Benjamin Constant aurait pu répondre à mon ami : je garderai ton secret, afin de ne pas nuire aux hommes et aux femmes impliqués par ce mensonge. Dire la vérité dans ce cas précis n’entraînerait-elle pas plus de mal que le mensonge lui-même ? Constant considère que le devoir n’est pas absolu, que la décision dépend pour beaucoup de la manière dont on souhaite protéger autrui. En ce sens, il pose non pas un devoir de vérité, mais un droit de vérité.

La vérité comme preuve de respect

Reste à savoir, et c’est la lacune première du discours de Constant, qui peut avoir accès à la vérité. Le droit en revient à chacun, selon sa propre morale. Aussi, le droit au mensonge ne répond pas au devoir de vérité de Kant. Il permet certes d’éviter, dans le cas qui m’intéresse, un malheur imminent. Mais il ne m’assure pas que l’une des deux intéressées ne s’en rende jamais compte, et que la scène de révélation n’ait jamais lieu.

Pour aller plus loin : Le Mensonge : la querelle Kant / Constant

En revanche, le devoir de vérité, lui, ne connaît aucun tremblement. Dire la vérité, c’est maintenir le sens des principes que l’on défend ; assurer à autrui le respect en tant qu’être humain ; permettre au menteur de renouer avec son humanité en brisant la chaîne du mensonge. Au fond, ne pas transiger avec le devoir de vérité revient à sauver certains principes, constitutifs de l’amour, la confiance, le respect, la fidélité, de toute forme de compromission.

Un monde dystopique, une entreprise de déshumanisation, de l’imagination et du talent. Autopsie d’un thriller de science-fiction signé d’un maître en la matière : Serge Brussolo.

Par : Philippe André

L’univers fouillis de Serge Brussolo renvoie au moment de mon adolescence où je m’interrogeais sur ma vie. J’étais obsédé par les œuvres du maître de l’épouvante, Stephen King. Durant cette période, je délurais subitement sur une écriture machiavélique, précise, où l’imaginaire se négociait principalement sur une ouverture largement anglo-saxonne et que Serge Brussolo démantela dans mon esprit. Jamais je n’aurais imaginé qu’un auteur français allait me faire lâcher le long processus de l’épouvante conçu par le maître de la littérature de l’horreur américaine. Immergé dans la lecture de Brussolo, j’étais stupéfait par cet imaginaire si impressionnant.

Je m’aperçus à juste titre de l’action abondante. L’hybridation d’un univers si riche, où qui plus est, c’était moi qui servais d’appât. Je me retrouvais dans les mâchoires des obsessions maladives d’un conteur hors pair, de récits tellement effrayants. Le rythme parait chez lui s’orthographier dans la douleur de personnages à qui l’écrivain a octroyé un semblant de liberté. De sorte que le lecteur s’imprègne de leurs maux, puis remarque un changement sensible de leur environnement mental et physique.

Une mécanique de déshumanisation

Dans cette détermination à exploiter toutes les possibilités de l’étrange, chevillées au cerveau libre d’un romancier pas comme les autres, j’ouvrais les portes menant à un schéma littéraire. Là où les codes de l’épouvante se cassaient par l’imagination folle d’un auteur qui se les réappropriait. Brouillant les pistes du réel, l’ossature scénaristique matérialise la monstruosité tapie derrière le masque du paraître. Les illustrations de ses thèmes de prédilection, comme l’enfermement prétextant d’impossibles données fantastiques, je m’aliénais à sa coupe artistique.

Serge Brussolo débuta vraiment sa carrière à la suite de sa nouvelle « Funnyway ». Publiée dans une anthologie dirigée par Philippe Curval aux éditions Denoël (1978). Dans la nouvelle prévaut une conception maladive d’un monde dystopique. S’acharnant à avilir l’homme au rang d’un organisme assujetti à une mécanique de déshumanisation. Ici, au commencement de son entreprise de conquête d’un futur public, Serge Brussolo sera le libérateur de ses frayeurs apocalyptiques et science-fictionnelles.

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Grâce à la sélection de son texte absolument noir et suffoquant, ce recueil de textes hors normes avait pour objectif de révéler une nouvelle ère de la science-fiction française. Il est indéniable qu’aujourd’hui, après plus de deux cents romans, Serge Brussolo est indubitablement le roi incontesté du thriller d’horreur. Mais aussi de la science-fiction détériorée, de la fantasy macabre, de l’anticipation claustrophobe. Tous ces titres popularisés grâce au puits sans fond qu’est son imagination.

Serge Brussolo, « Funnyway », dans Mange-Monde, Paris, Gallimard, coll. Présence du futur, 1993

Paru pour la première fois en 1961, La Crise de la Culture est un essai qui fait date dans l’histoire de la philosophie politique. Hannah Arendt y explore la brèche qui existe entre le passé et l’avenir et nous invite à penser notre temps. Une lecture nécessaire.

Par : Marc Duval

En lisant La Crise de la Culture, il apparaît évident que Hannah Arendt décrit un phénomène moderne. Un processus d’évolution de la société vers la société de masse, une disparition de l’autorité dans cette même société et donc le risque d’aboutir à un État totalitaire. Ce texte est donc une description et un avertissement.

Évidemment, il est surprenant de lire un texte aussi novateur (qui décrit à la perfection les mouvements progressistes et conservateurs actuels) et aussi précis dans son anticipation de notre présent. Mais il faut se souvenir de l’importance d’Hannah Arendt et de ses travaux. Ceux-ci fournissent un cadre d’analyse du monde simple et efficace, qui modèle son lecteur et sa vision du monde avec des mots de notre temps. J’ai utilisé les termes de « simple et efficace » car ils décrivent au mieux la valeur d’une théorie en fonction des explications qu’elle peut fournir en peu de mots.

L’objet décrit par Hannah Arendt, c’est la société occidentale et plus précisément sa branche aux États-Unis. Pour ce faire, l’auteur revient souvent aux origines grecques et romaines de notre civilisation, avant d’en arriver à la description du phénomène présent. Sa particularité : la fin de cette civilisation occidentale et donc la nécessité implicite de la refonder.

Une société de masse

Pour l’auteur, la raison de cette fin imminente est l’impossible conciliation de la Tradition, de l’Autorité et de la Religion, dans une société moderne de masse ; où la science nie toujours plus la place de l’homme, où le doute avilie toujours plus les discours traditionnels. La civilisation occidentale reposerait selon l’auteur sur ces trois piliers que sont la Tradition, l’Autorité, et la Religion. La Religion s’assure de maintenir la vérité de l’Histoire ; la Tradition transmet aux générations successives cette même Histoire ; l’Autorité est l’ordre hiérarchique légitime issu de l’Histoire.

On sent chez Hannah Arendt une grande méfiance quant aux discours politiques, car ils sont un espace de liberté. Un de ces espaces discursifs qui sans échapper aux relations de cause à effet et donc aux vérités de fait, n’exclue pas un rapport relativiste quant aux vérités historiques et autres discours ; et donc parfois le recours au mensonge conscient ou non. Ce relativisme discursif est pour Hannah Arendt la caractéristique d’une société de masse, où il faut renoncer à établir une vérité historique unique, sans quoi cette société bascule dans le totalitarisme.

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Dans ce monde moderne, il y a les progressistes libéraux et les néoconservateurs. Les premiers assimilent autorité et totalitarisme. Ils veulent détruire les cadres étatiques pour s’assurer une liberté organisée et assurée ; que l’Histoire moderne va forcément leur donner selon eux. Les seconds voient dans l’Histoire moderne un processus de ruine et d’affaiblissement de l’autorité qui permettait l’existence de la liberté. Ils veulent restaurer les cadres étatiques et limiter la liberté au risque de la détruire pour la garder.

Refonder notre civilisation

Pour Hannah Arendt il faut savoir penser dans ce monde moderne, pour dépasser ces deux extrêmes qu’elle aide à se constituer avec ce texte. La seule solution à cette crise est si simple qu’elle rend cette dernière triviale. Il suffit de refonder notre civilisation grâce à une révolution sous la forme d’une réforme rapide et non-violente. Car pour l’auteur, les seules révolutions fonctionnelles sont non-violentes et ne rompent pas avec la Tradition. Il s’agit en fait d’établir une nouvelle instance religieuse en vue de légitimer de nouvelles autorités. Cette définition s’appuie sur l’exemple de la guerre d’indépendance des États-Unis. Elle paraît donc contre-intuitive aux lecteurs européens qui préfèrent plutôt parler de réforme profonde.

Le public de ce texte est clairement Étasunien. Et Hannah Arendt tente d’inscrire dans le roman national du Nouveau Monde l’idée qu’il faut constamment se réinventer et s’adapter aux réalités, afin d’éviter les pièges totalitaires qu’elle soupçonne. Il est étonnant que l’auteur utilise autant d’exemples de l’Ancien Monde pour décrire un phénomène du Nouveau Monde. Il faut sans doute considérer que l’Ancien Monde apparaît comme un modèle imparfait certes, mais supérieur pour l’auteur.

Elle était à la fois chanteuse, pianiste, auteure et compositrice. S’épanouissant avec la même virtuosité dans le gospel, le blues, le jazz et la soul, elle est aujourd’hui considérée comme l’une des artistes américaines les plus influentes. Retour sur le parcours de la géniale Aretha Franklin.

Par : Elvire Bonnard

En 2009, lorsque Aretha Franklin chante My Country, Tis Of Thee à Washington lors de l’investiture de Barack Obama, il nous plaît de penser à son émotion quarante ans presque jour pour jour après l’assassinat du pasteur noir Martin Luther King.

Car toute l’enfance et la carrière d’Aretha sont imprégnées de cette longue marche vers la reconnaissance. Son père, Clarence LaVaughn Franklin, est un célèbre pasteur baptiste, mais est aussi un militant, ami de Luther King. En 1963, il l’accompagne dans sa longue marche sur Woodward Avenue à Détroit.

Et si Aretha est née à Memphis le 25 mars 1942, c’est à Détroit qu’elle passe la plus grande partie de son enfance.  Lors de l’enterrement du pasteur assassiné, elle reprend l’émouvant Precious Lord qu’elle chantait à quatorze ans dans l’église de son père, avant d’être enregistré chez Chess en 1956.

Du gospel au blues

Le père d’Aretha est un célèbre avocat de la cause noire, n’hésitant pas à monnayer ses sermons (douze d’entre eux seront enregistrés chez Chess, dont le fameux « The Eagles Sterreth Her Nest », un classique du genre) jusqu’à 4000 dollars.

Toute l’éducation d’Aretha sera portée par le gospel. « Mon cœur appartient toujours au gospel », dira- t-elle dans le célèbre interview du Time dont elle fait la couverture en 1968. Son père tourne alors avec The Clara Ward Singers, (seize albums chez Chess) et elle l’accompagne deux années de suite en tournée. Elle l’admire pour son honnêteté et sa sincérité.

C’est le pasteur Franklin qui est son premier coach, avec Sam Cooke, l’un des grands créateurs de la musique soul, et habitué de la maison. À l’âge de neuf ans, lorsqu’elle exprime le vœu de devenir chanteuse, Sam Cooke se fend d’un « si tu veux chanter, jeune fille, chante ! » Plus tard, son père lui emboîtera le pas : « si c’est ce que tu souhaites faire, alors tu dois le faire ! », l’encourage-t-il lorsque sa fille souhaite s’écarter du gospel pour aller vers le Blues.

Douze albums en six ans

L’enfance d’Aretha fut loin d’être malheureuse. Bien que sa mère ait quitté son père et leurs cinq enfants lorsqu’Aretha avait six ans, et qu’elle décède lors de ses dix ans, elle passe des moments insouciants avec ses frères et sœurs, à grimper aux arbres et à s’écorcher les genoux. « J’étais un vrai garçon manqué », se souvient-elle. Elle aime l’école. Mais sa fascination va vers la musique. Il y avait de la musique partout, chez elle et à l’église. On lui paye un professeur de piano, mais son goût de l’improvisation lui fait refuser une discipline trop scolaire.

Ce n’est qu’en 1997 qu’Aretha se remettra au piano classique. Malgré cela, c’est une excellente pianiste, dont Jerry Wexler, qui l’enregistre pour Atlantic Records, dira qu’elle ne vaut pas moins que Ray Charles, lui aussi produit de la mythique maison d’Ahmet Ertegun. Adolescente, elle en joue avec ses sœurs et ses amis.

En 1961, un ami de son père, Major Mule Holley, la fait rentrer chez Columbia Records. A 18 ans, elle part à New York. Elle signe avec John Hammond Today I Sing The Blues (qu’elle reprendra une dizaine d’années plus tard). Ce titre est déjà prémonitoire de ses futurs enregistrements pour Atlantic. Elle enregistre douze albums en six ans sous la férule de Hammond, (découvreur également de Bob Dylan) qui reconnaît en elle la plus belle voix depuis Billie Holliday, qu’il a aussi découvert. Mais il se contente d’exploiter le versant jazz de sa voix, sans en exploiter les multiples possibilités.

Un modèle pour de nombreuses chanteuses

En 1966, Aretha signe chez Atlantic. C’est Jerry Wexler, perfectionniste créatif et géant du Rhythms and Blues, qui va découvrir et libérer les quatre octaves de la voix d’Aretha sur I Never Loved A Man.

Elle importe ainsi le son de Memphis et de Muscle Schoals  (en Alabama), à New York. Contrairement à la Motown de Détroit et ses tubes pour jeunes filles prépubères, Atlantics recherche en effet des voix adultes, à l’opposé des Supremes. Or, à 25 ans, Aretha n’est plus une enfant. Mariée à Ted White, son premier manager, elle a déjà deux fils de onze et huit ans.

Ecoutons Wexler se souvenir : « à l’heure actuelle, toute la musique pop est habituée au gospel. Mais il faut se rappeler qu’il y a cinquante ans personne ne chantait comme Aretha ». Elle va devenir un modèle pour des chanteuses telles Dona Summer ou Whitney Houston.

Le pouvoir de la Soul

Et puis … arrive Respect en 1967. Cette reprise de la chanson d’Otis Redding sortie en 1965. Aretha va en faire un hymne féministe en même temps qu’un symbole du combat pour les droits civiques. Même si elle reconnaît n’avoir que peu souffert de discrimination. Mais en avoir toujours conscience, elle a bénéficié des portes ouvertes par ses grandes sœurs, telle Ella Fitzgerald.

Pour Aretha, « la soul est la capacité de faire sentir aux gens ce que vous ressentez ». La Soul crée l’empathie. L’âme de l’artiste transmetteur entre en osmose avec le public récepteur.

La beauté de la musique associée à l’intégrité du chant brise la chaîne maléfique et masochiste de ses consœurs Bessie Smith et Billie Holliday. Pour une fois, on ne demande pas au « mec » de revenir.

Aretha devient une icône

Plus tard en 1985, Aretha chantera avec Annie Lennox d’Eurythmics Sister’s are doin’ it for themselves. Prolongeant la filiation de cette fierté. Pas seulement d’être black, comme le revendique James Brown dans I’m Black And I’m Proud, mais également femme. Cet engagement allié à l’association de la musique populaire et de la spiritualité rapprochent beaucoup Aretha du politique Marvin Gaye de What’s going on. Mais l’éloigne de plus en plus des bluettes pour adolescentes incarnées par les Supremes. Aretha devient une icône, The Queen Of Soul, même si ce surnom flatteur apparaît réducteur sous bien des aspects.

Car de Détroit jusqu’en Alabama, en passant par Atlantics à New York, Aretha n’a cessé d’explorer toutes les ressources et les versants des musiques vernaculaires. Wexler l’a bien compris, lui qui la fait enregistrer justement avec des musiciens du Sud. Malgré certains problèmes personnels, et certaines absences liées à des problèmes d’alcool, elle enregistre quatorze albums en seulement huit ans. Ses premiers hits pour Atlantic sont :  I Never Loved A Man, Do Right Woman, Respect,Dr Feelgood, A natural Woman. Tout ceci étant évidemment le résultat de beaucoup d’efforts et de travail, ainsi que d’une excellente complicité avec ses musiciens. Sa sœur Carolyn lui apporte d’ailleurs son aide dans des compositions au piano telles Ain’t No Way, Pullin’, Angel

Without love

Dans les années 70, elle rejoint James Brown, Sly Stone, George Clinton lors du tournant Funk. On oublie pourtant souvent de la citer ( par sexisme ?), alors qu’un morceau comme Rock Steady en 1971 est clairement un hit funk. Certes le morceau repose beaucoup sur le batteur « mythomane » Bernard Purdie (qui prétend jouer de la batterie sur tous les morceaux des Beatles !), mais c’est Aretha qui a écrit le texte.

Malgré un apparent éclectisme, l’œuvre d’Aretha est homogène. ce qui ne l’empêche pas de souffrir d’un passage à vide lors du tournant funk vers la période disco.

En 1974, elle enregistre une autre chanson de Carolyn, Without Love. Ce vieux thème de l’amour de Dieu et de l’humanité est essentiel pour Aretha. La rédemption passe par la dévotion.

« Without love,  there’ s only so much you can do

Without love, you’re not even you”

L’amour est l’essence même du travail d’Aretha.

L’une des meilleures chanteuses de tous les temps

La décennie des années 80 est marquée par son départ d’Atlantic et son passage par la maison de disques Arista. En 1986, elle reprend le mythique Jumping Jack Flash en duo avec Keith Richards. Elle continue à connaître de grands succès, principalement aux États-Unis, tout en évoluant davantage vers le mouvement Hip-Hop. Toujours engagée dans de nombreux concerts caritatifs, (elle chante notamment l’hymne national à La Nouvelle Orléans après le passage de l’ouragan Katrina). Elle vit actuellement à Détroit, la ville de son enfance, quand elle n’est pas en tournée.

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Avec ses yeux noirs profonds et sa voix inimitable, celle que l’on nomme également Lady Soul est aujourd’hui classée deuxième personnalité afro-américaine la plus connue après Martin Luther King. Le magazine Rolling Stones la place première au classement des meilleurs chanteurs de tous les temps. Respect.

Si l’escrime est un art, c’est aussi une pédagogie approuvée par des femmes victimes de violences sexuelles. Une arme face à un traumatisme dont elles parviennent à sortir victorieuses. Un combat que le roman graphique Touchées parvient à mettre en scène avec puissance et délicatesse.

Par : Lena-Maria Perfettini

Elles n’ont ni le même âge, ni le même caractère, ni le même vécu. Pourtant elles ont en commun les violences sexuelles et/ou conjugales qu’elles ont subies. Et c’est pour surmonter ces traumatismes que Lucie, Nicole et Tamara participent à un atelier d’escrime thérapeutique. À noter que ces ateliers ont réellement été mis en place par l’association “Stop aux violences sexuelles” dans plusieurs villes de France.

Organisées en binôme, par un maître d’armes et une psychothérapeute, ces séances destinées aux femmes violentées ont pour objectif de les aider à se libérer de leur passé. Apprentissage de l’attaque, de la défense et de l’esquive, de même que la possibilité de parler à un professionnel. S’exprimant ainsi à la fois par le corps et par les mots, quand elles le souhaitent. Quoi de mieux qu’un sport de combat où le but est de toucher sans être touchée ?

Fortes ensembles

Face aux difficultés, une sororité se met en place et permet aux héroïnes de mener et gagner leur combat personnel. Une lutte contre elles-mêmes, ou leurs traumatismes corporels et sensoriels. Derrière les masques, l’adversaire peut avoir les traits de qui elles souhaitent : un mari violent, un frère incestueux, un camarade violeur ou un démon intérieur. Mais tout cela dans une violence contrôlée par les règles du sport. Peu à peu, ces femmes fragiles se révèlent fortes ensembles. Et au bout d’un an, elles parviennent à opérer des changements dans leur vie et à en reprendre le contrôle.

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En somme, lorsqu’est exposé le passé de chacune des trois femmes , la lecture peut être parfois difficile. Mais des moments plus légers permettent de contrebalancer la tension qui peut s’installer et notre espoir de voir les héroïnes se libérer et avancer dans la vie fait le reste. De plus, ce roman graphique nous séduit par son esthétique. L’auteur propose un dessin à l’aquarelle, délicat et intense, qui mêle la douceur des tons et la puissance des gestes. Par de grands traits, ces femmes deviennent des combattantes, qui se réapproprient leurs corps et leur vie, et nous ne pouvons qu’être touchées.

Quentin Zuttion, Touchées, Paris, Payot Graphic, 2019